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Autor Tema: II Festival Marginal: Sección Oficial  (Leído 3880 veces)

0 Usuarios y 1 Visitante están viendo este tema.

Desconectado Genjuro

Re:II Festival Marginal: Sección Oficial
« Respuesta #15 en: Miércoles 07 de Noviembre de 2018, 12:55:44 »
La mejor manera que tengo de vender COMRADES es a través de su impresionante factura visual. Después de una trilogía de austeridad monacal, Bill Douglas se pasaba al gran formato con una epopeya laboral que si bien mantiene esa austeridad a nivel tonal, alcanza la épica mediante su formato visual. Yo creo que es uno de los tres films más hermosos de los años ochenta junto a Sacrificio y Fanny y Alexander. Le tengo puesto un 8 en FA pero debería ser un 9. Vamos a dejarlo en 8,5 para no levantar suspicacias.







BELARMINO es una obra mucho más discreta, un documental sobre un boxeador que habría malogrado su talento por su vida disoluta. La grandeza del film reside en cómo se aproxima y explora a su personaje a nivel cotidiano para finalmente convocar la mítica del boxeo y la poética del perdedor. Ni que decir tiene que es un título imprescindible para los que tengan en mente hacer la lista de cine portugués. La nota es un 8.


Del resto creo que he visto 14. A ver si encuentro un rato para ponerles nota y comentar algunas.
« Última modificación: Miércoles 07 de Noviembre de 2018, 12:58:04 por Genjuro »

Desconectado Penguin

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Re:II Festival Marginal: Sección Oficial
« Respuesta #16 en: Miércoles 07 de Noviembre de 2018, 14:24:59 »
@Penguin , sé que te cuestan las películas asiáticas, pero creo que esta será de tu gusto.

¡Pero si es un documental, bro! ¿Seguro que estabas pensando en mí al escribir esto y no en tu vecina Merche cuando te pillaste anoche una buena cogorza?

Desconectado aixa72

Re:II Festival Marginal: Sección Oficial
« Respuesta #17 en: Miércoles 07 de Noviembre de 2018, 17:38:14 »
Con mucha diferencia la que más me apetece es la de Jalili

El resto para ver, sin orden y hasta donde llegue:

Belarmino
Atentát
El ejército desnudo del emperador…
Ejercicios de la memoria
Salomé
El Albatrós
Monrise

De las vistas:

Ne change rien: 8. La tengo muy lejana, seguramente el notable se deba a su parte musical porque mi relación con el mundo de Pedro Costa no es lo cercana que me gustaría.

Maestra rural: 7 Me quedo con las delicadas escenas de enseñanza al aire libre y con la capacidad de situarnos en un entorno extremadamente hostil en una época más dura todavía.

Murió con un falafel...: 8. Le tengo un cariño especial… confieso que me encargué de la traducción desde el texto en francés por el único motivo de querer verla.  Como con todas las traducciones amateurs de aquella época, fui muy feliz durante el tiempo que intenté destriparla para que el texto no la perjudicara demasiado. Y es una comedia y encima negra. Buena elección :)

Por cierto, no sabía que había que valorar también las propias, "Rayo de sol" 9 y "Napoles millionaria" 8.

 :adios :adios

Tuve que disparar. Vino hacia a mí gritando: «hermano, hermano» y haciendo ademán de querer abrazarme

Desconectado PS8

Re:II Festival Marginal: Sección Oficial
« Respuesta #18 en: Miércoles 07 de Noviembre de 2018, 18:09:59 »
Con mucha diferencia la que más me apetece es la de Jalili

Me alegra que haya varios que os llame la atención la de Abolfazl Jalili. Director iraní bastante desconocido, aunque parece que este año se ha hecho algo más conocido por lo que he podido comprobar en twitter. Si bien pondría un escalón por encima a "Delbaran", no podía ponerla debido a que no existen subtítulos en español. Mientras que la que he seleccionado no tiene prácticamente diálogos y si los tiene no requieren de subtítulo alguno. Si hay alguien a quien se puede llegar a comparar ésta de Jalili es con los trabajos de Piavoli, así que ya podréis imaginar por dónde puede tirar más o menos "Dance of dust". Mientras que su obra en global, de lo que he podido ver hasta ahora, se puede asemejar más a otro gran maestro del cine iraní: Sohrab Shahid Saless. También le tuve en mente para poner alguna película suya, pero no se puede poner todo lo que uno quiere. 
Mientras que de la de Naruse poco puedo decir. Solamente por ver a Hideko Takamine en todo su esplendor ya merece la pena.

Traigo vistas tres aparte de las mías:
La banda de las cuatro: 10
Ne change rien: 8,5
Elle a passé tant d'heures sous les sunlights...: 8,5

Desconectado Ghibliano

Re:II Festival Marginal: Sección Oficial
« Respuesta #19 en: Miércoles 07 de Noviembre de 2018, 18:55:49 »
Me ha encantado Rayo de sol, un 9. Es una película llena de vitalidad, con gran atención a los detalles cómicos, un drama bien medido y una pareja protagonista que se comporta con una soltura y ligereza ante la adversidad que me resulta muy llamativa, dados a las bromas, los excesos y la falta de planificación. Pero sin duda lo que más me intriga y fascina de ella es su adherencia frecuente a las técnicas narrativas del mudo. Pese a que se trata de una cinta sonora y de que hay diálogos, no le importa prescindir de ellos en tramos muy largos y centrarse en unas interacciones muy visuales y muy gestuales, así como un montaje muy enfatizado y expresivo. Es como un híbrido que conserva el encanto de una película muda y su enfoque estético y narrativo, sin serlo ni mucho menos por completo.

Desconectado El Nota

Re:II Festival Marginal: Sección Oficial
« Respuesta #20 en: Miércoles 07 de Noviembre de 2018, 21:22:38 »
Antes que nada, OLÉ Emi, gran currazo y te dejo mis dieses.

Y voy a hablar de mis dos elegidas (que son las dos únicas a las que le tengo un 7 o más y que cumplan los requisitos...).

Creo que Le joli mai se vende sola. Ya sé que el nombre de Chris Marker excita a más de uno por el foro, así que es un buen comienzo. Escribí sobre ella porque la vi para la lista de cine francés. Si no la visteis en ese momento, ahora es un buen momento para recuperarla. Se trata de una radiografía social y política del París post guerra de la independencia de Argelia, en la que Marker se hace eco principalmente de las clases obreras, insertando entre sus entrevistas bellos encuadres de la ciudad francesa y con un juego muy vistoso de reencuadres en algun plano secuencia que te deja sencillamente embelesado. También en las decisiones estéticas me quedo con esa obsesión por el detalle, que refuerza la idea de la cotidianeidad en la vida de las personas anónimas que consiguen aumentar la belleza de la obra (una araña correteando por el traje de un entrevistado, el detalle de las manos de dos enamorados que se estrechan con fuerza y ternura, la mirada de un niño curioso...). Y en términos políticos se percibe claramente un compromiso con la izquierda obrera, con casos curiosísimos como el de un cura que se adherió al partido comunista y que termina su diserción de forma brutal (según él) diciendo que "no tengo tiempo de ocuparme de Dios ni de las posibilidades de su existencia". En fin, que hay mucho más dónde rascar, pero que me ha parecido un documental muy remarcable y hermoso.

Y encima el póster es una cucada



------------------------------------------------

El tesoro de Arne la vi en la transición entre el antiguo foro y Filmmania, durante un viaje a Bélgica, así que no tengo nada escrito guardado que me ofrezca unas pinceladas de lo que supuso para mí ese visionado. De todas formas, recuerdo una puesta en escena muy avanzada a su tiempo y un tono oscuro, trágico, que recuerda a los mejores escritores románticos. Además, ofrece uno de los mejores cortejos fúnebres de la historia del cine (que se dice impresionó tanto a Eisenstein que lo emuló en Iván el Terrible).



Además, es un must see dentro del cine silente y dura poco más de hora y media. Cortita y al pie.

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Mañana comentaré las dos que he visto ya (una de Aixa y otra de Faure) y repasaré mis apetecibles, que hay bastantes, panda de peinaratas :grr

Desconectado Nureyev

Re:II Festival Marginal: Sección Oficial
« Respuesta #21 en: Miércoles 07 de Noviembre de 2018, 21:31:20 »
São Bernardo es una adaptación de la novela homónima de Graciliano Ramos (también escritor de Vidas Secas), esto explica su naturaleza marcadamente literaria, especialmente por la presencia de una voz en off que es la voz del protagonista. Sin embargo, el cine no es aquí mero apéndice del texto sino que lo toma y lo arroja hacia otras posibilidades sólo abiertas a lo que las imágenes pueden transmitir.
El estilo de puesta en escena es riguroso y contenido, apoyado en el máximo aprovechamiento de la luz natural para conseguir planos interiores y exteriores de gran belleza.










Narrativamente se asienta en el punto de pista del protagonista, relator de sus memorias, pero progresivamente y sutilmente esa mirada irá separándose del punto de vista del narrador representado con la cámara, esto se hace notorio a medida que el personaje ingresa en una zona de cada vez mayor tensión y desgarramiento interior producidos por la colisión entre su propia naturaleza y la de las personas más cercanas.
Hirszman era un cineasta de fuerte compromiso político y social, afiliado al Partido Comunista, que realizó documentales sobre la vida de personajes reales de las clases bajas brasileñas así como ficciones relacionadas con la conciencia de clase obrera; y si bien esta película no tiene un contenido explícitamente político sí toca un tema que refiere a la trama política y social de Brasil. Aquí el fondo pasa por la alienación de un personaje representativo de una figura social genérica, el arribista, aquel que proviene de una clase social inferior, accede ferozmente a un estrato superior y ya establecido allí no consigue el bienestar espiritual esperado.
Le doy un 8. Para mí es cinematográficamente más interesante que Eles Nao Usam Black-Tie, película que suele aparecer en listas de mejores películas brasileñas de la historia, porque si bien el planteamiento político de esta última es aguerrido y frontal, a la primera le encuentro mayores virtudes estéticas en general.


No intenso agora ya me la vendió muy bien Ghibliano pero tengo que decir algo al menos.
Es un film ensayo que trabaja sobre archivos visuales históricos, al estilo de Chris Marker, pero con las preocupaciones inquisitivas sobre los significados a desentrañar de las imágenes propio de Farocki.
Independientemente de las tesis interpretativas sobre los acontecimientos que observa y de los análisis políticos (tenues, pero existentes) que haga el director, lo que a mí más me atrapó de la película es esa difícil habilidad y sabiduría para transmitir exactamente lo que dice el título.
Consigue una mixtura entre distancia sobre lo que ha sucedidos y evocación de la carga sentimental que provoca la reflexión sobre la pérdida de la intensidad de energías históricas imposibles de comprender desde el presente.



Es cierto que la mirada se tiñe de melancolía y que esa afección espiritual no es combustible revolucionario pero aquí no se trata de un manifiesto sino de un documental que refleja en su modo de mirar el estado innegable del reflujo de masas actual.

Dice Moreira Salles:
"Hay algo que descubrí en las imágenes del 68, y que para mí fue muy poderoso. Ahí pude ver la alegría que había identificado en el viaje de mi madre a China. Comprendí —o tuve la
sensación de ello— que estaba muy bien estar vivo durante aquellos días y aquellas semanas.
¿Y qué significa eso? Un sentimiento absoluto de alineamiento con la vida, con el tiempo
presente, con el momento"

"Se trata de un film que no nace de una razón previa sino del propio contacto con las
imágenes: nace después de haber visto esas imágenes, y de haberlas visto varias veces. Llevo
tres años viendo esas imágenes, que provocaron ciertas preguntas en relación al material
filmado. Esencialmente, ese es el film. Es un film sobre lo que se puede decir de 1968 a
partir de las imágenes, teniendo como denominador común un elemento biográfico muy tenue y
muy sutil, que es que en aquella época yo vivía en Francia. A esto se le suma el hecho de
que tenía imágenes de mi madre no en Francia sino en China, que también era un movimiento de
gran exuberancia y de energía política como lo fue la Revolución Cultural. Y, como decía, lo
que sucede después de que esa energía pasa"

Nota: 9


Traigo vistas Carbón, Entusiasmo, Maestra rural, Moonrise, La calesita, Le Joli Mai, Night on the Galactic Railroad y He died with a Felafel...
Las comentaré en otro post brevemente para no hacer esto más largo.
Mi intención es ver la mayor cantidad de títulos posibles, que parece haber una selección de increíble calidad. Comenzaré por dos que ya tenía descargadas, El tesoro de Arne y el documental japonés traído por Eldude.

« Última modificación: Miércoles 07 de Noviembre de 2018, 22:26:17 por Nureyev »
"A parte isso, tenho em mim todos os sonhos do mundo"


       

Desconectado Emi

Re:II Festival Marginal: Sección Oficial
« Respuesta #22 en: Miércoles 07 de Noviembre de 2018, 22:25:48 »
Por cierto, no sabía que había que valorar también las propias

Sí, se lleva una estadística y se da una mención a la película con mejor media. Pero para los premios principales (que ya explicaremos debidamente) no se va a poder votar a las películas que uno envía, salvo en el Alta Tensión.

Desconectado Faure

Re:II Festival Marginal: Sección Oficial
« Respuesta #23 en: Miércoles 07 de Noviembre de 2018, 22:32:18 »
Antes que nada, OLÉ Emi, gran currazo y te dejo mis dieses.

No se ha dicho nada de esto antes, pero creo que todos lo hemos pensado en algún momento y no me lo perdonaría si no aprovecho para comentarlo ahora que El Nota lo ha mencionado. Mi más sincera admiración por todo el trabajazo que lleva preparar las secciones y encima dejándolo todo tan bonito y detallado (y no solo en este caso sino obviamente también en todos los juegos y eventos anteriores). Daba vértigo solo de pensar en meter las nosécuántas películas que han terminado saliendo y la dedicación que tenéis algunos con todas estas cosas por amor al arte se valoran y se aprecian muchísimo más de lo por desgracia poco que lo reconocemos.

Desconectado Emi

Re:II Festival Marginal: Sección Oficial
« Respuesta #24 en: Miércoles 07 de Noviembre de 2018, 22:38:35 »
Gracias muchachos  :love

Desconectado Genjuro

Re:II Festival Marginal: Sección Oficial
« Respuesta #25 en: Jueves 08 de Noviembre de 2018, 01:11:03 »
El tesoro de Arne (Mauritz Stiller, 1919) - 7,5

Clásico del cine nórdico en el que un trío de escoceses evadidos asesina a un vicario y a su familia para hacerse con su tesoro, del que se dice porta mala suerte, quedando con vida una joven que posteriormente se encuentra con ellos sin reconocerlos. Es una obra en la que entran en juego la fatalidad, las apariciones y lo sobrenatural, siempre con el marco gélido de los paisajes nevados o las tormentas de nieve. La cualidad espectral del cine mudo alcanza aquí una nueva y fascinante dimensión cuando hace acto de presencia un fantasma magníficamente puesto en escena por Stiller. Porque además, en el fondo sus personajes principales no dejan de ser una suerte de fantasmas de seres humanos que no tienen ya lugar en este mundo.


Carbón (Georg Wilhem Pabst, 1931) - 8

Pocos directores manejaron los inicios del sonoro tan bién como Pabst. Carbón, un film de conciencia obrera como varios otros que se hicieron en aquellos años seguramente como consecuencia de la crisis del 29, es un alarde de puesta en escena, también de medios, para contarnos un desastre minero en una explotación en la frontera francoalemana. Impresiona la habilidad que tuvo para filmar las escenas subterráneas, pero además Pabst sabe buscar la emoción con mucha elegancia, y a la vez demuestra que no es ningún ingenuo (en un final que rivaliza en lucidez con el de La comedia de la vida, realizada ese mismo año).


Maestra rural (Mark Donskoy, 1947) - 8

Perfectamente adscribible al por entonces preceptivo realismo socialista, este film de Donskoy que narra la aventura de una maestra en un pueblo siberiano atesora una sutil poética que combinada con su cuidada factura depara una obra realmente hermosa. Destaca el trabajo retratista del film, trufado de primeros planos construidos con mimo para transmitirnos la belleza interior y exterior de los personajes. También sus luminosas imágenes, transidas por una luz que por momentos se diría mágica. La carga ideológica es inevitable, pero nunca consigue imponerse sobre los personajes. El paso del tiempo y el sentido de comunidad tejen una red de emociones que hacen un contraste muy curioso entre el comienzo y el final de la película, rimado en dos escenas de baile. Y es que entre medias se sucede la liturgia docente, ese amor por la enseñanza que también se refleja por las costumbres inflexibles, mientras la historia se sucede inexorable al ritmo de la rotación de ese globo terráqueo de la profesora que sirve de transición entre escenas.


Moonrise (Frank Borzage, 1948) - 7,5

El fatalismo es la fuerza que gravita sobre sobre las imágenes de esta oscura película de Borzage, siguiendo en cierta medida las coordenadas estéticas del noir. Ya desde su esplendoroso y expresionista arranque, culminado por la sombra de un muñequito ahorcado sobre un bebé, advertimos cómo el ahorcamiento del padre mediatiza la vida del protagonista de esta historia. Quizás hay algún detalle argumental cuestionable, el comportamiento de la chica es sorprendente, pero el film atesora momentos de gran fuerza. Es curioso porque la movilidad y fluidez de la cámara en algunas escenas me ha recordado a la etapa muda del propio Borzage, y en general la puesta en escena raya a gran altura.


Barravento (Glauber Rocha, 1962) - 7,5

Un exponente claro del cine del tercer mundo, pero afrontado desde una notable complejidad discursiva, que nos acerca a una comunidad de pescadores que sobrevive precariamente entre la explotación, las costumbres ancestrales y las supersticiones. En el film hay espacio para la dimensión mágico-mítica como también lo hay para la lucha de clases. Sería como un cruce entre Tabú (por ejemplo) y La terra trema. Interpretado por lugareños, la sensualidad de sus imágenes y su cualidad casi primigenia conforman una obra con notable poder de fascinación.


Atentát (Jiri Sequens, 1965) - 6,5

Minuciosa reconstrucción del atentado más importante contra el régimen nazi, el que le costó la vida al Reichsprotektor Heydrich, que no deja de ser un acontecimiento presente de manera más o menos tangencial en muchas películas checoslovacas, pero aquí se aborda centralmente, quizás con la voluntad de realizar la obra canónica al respecto. El film describe los preparativos, la ejecución y la persecución posterior, también las luchas de poder en la cúpula del mando en el Protectorado. Me parece una película bien narrada, muy pulcra en el acabado visual (de un atractivo blanco y negro), sin altisonancias en el tratamiento de la historia y los personajes. Pero igual también le faltaba un poco más de personalidad y arrojo. Su carácter coral le impide desarrollar apropiadamente a los personajes, pero tampoco apuesta a fondo por la austeridad de la pura acción. Resta una obra más estimable que apasionante.


El ejército desnudo del emperador sigue marchando (Kazuo Hara, 1987) - 7

Este documental escarba en el trauma de la Segunda Guerra Mundial en Japón, en uno de los aspectos más escabrosos de aquella ignominia bélica, el canibalismo, una práctica relativamente extendida en ciertas áreas hacia el final de la contienda, y que películas de ficción como Fuego en la llanura o Bajo la bandera del sol naciente ya habían tratado de alguna manera. De hecho este film tiene bastante que ver con la obra cumbre de Fukasaku, pues se plantea como la investigación de la muerte de unos soldados, ejecutados por sus superiores, a través de sucesivas entrevistas con testigos y protagonistas del hecho. El propio conductor de las pesquisas no deja de ser inquietante, un veterano de la misma compañía que reclama justicia divina y que muestra una acusada inclinación por la violencia. No hay veleidades estilísticas, simplemente una cámara que sigue a los personajes y trata de atrapar la violencia que subyace en las palabras, también la confrontación de unas rostros y figuras corrientes, incluso frágiles, con el excepcional horror que finalmente se evoca.


Ejercicios de memoria (Paz Encina, 2016) - 6

No me resulta nada fácil descodificar esta propuesta de Paz Encina, que habla de la dictadura paraguaya, de la desaparición de una de las personas que la combatieron, con testimonios orales de los hijos y unas imágenes cuyo sentido en ocasiones no fui capaz de relacionar. La visualización de la ausencia a través de una casa vacía, o la fuerza espectral de viejas fotografías, conviven con las recurrentes imágenes de niños y adolescentes en la naturaleza, supongo que la evocación de la infancia de estos hijos criados entre la clandestinidad y el exilio, pero no me queda claro. En todo caso Encina filma hermosas imágenes de armonía y comunión con la naturaleza, que también transmiten una vaga sensación de peligro. Una tendencia a la abstracción que funciona por su capacidad de seducción visual.


No intenso agora (João Moreira Salles, 2017) - 7,5

Las dimensiones individual y colectiva se combinan en esta obra al evocar la memoria de las revueltas de 1968. A base de metraje encontrado, Salles no sólo interpreta el registro visual de manera lúcida y crítica, aportando un valioso y desmitificador punto de vista sobre los acontecimientos, sino que registra en particular la euforia de una generación que vive su éxtasis colectivo, el fogonazo personal que devora el intenso presente y condena a sus protagonistas a la melancolía futura. Esa tensión entre política y emoción personal se va haciendo más presente según avanza el film. La excitación por ocupar el centro de la arena política, por ser parte de un movimiento de incierto devenir que pretende voltear el presente y ganar un utópico futuro, se formula en paralelo al viaje que realiza la madre de Salles a la China de la Revolución Cultural, a la excitación de una persona sin agenda política ante el choque emocional que supone la sorpresa y lo diferente. En cierta manera, no deja de ser una evaluación psicológica de una era.


Ne change rien (Pedro Costa, 2009) - 7,5

No, o la vanagloria de mandar (Manoel de Oliveira, 1990) - 6,5

La banda de las cuatro (Jacques Rivette, 1988) - 7,5

Elle a passé tant d'heures sous les sunlights... (Philippe Garrel, 1985) - 6,5

Relámpago (Mikio Naruse, 1952) - 7,5

Desconectado Emi

Re:II Festival Marginal: Sección Oficial
« Respuesta #26 en: Sábado 10 de Noviembre de 2018, 02:43:03 »
Mañana espero ya estar recogiendo las notas en el hilo principal. De momento, pueden consultar las reglas de votación de cada sección en sus respectivos post principales. Atentos a las pequeñas diferencias en el procedimiento de cada sección  :sisi

Desconectado VigiliusHaufniensis

Re:II Festival Marginal: Sección Oficial
« Respuesta #27 en: Sábado 10 de Noviembre de 2018, 14:43:55 »
No tengo ni idea de cómo vender mis películas. El lado verborrágico de mi no quiere salir.

En todo caso, Straub y Lewis son dos pilares. Y ambas obras tienen más que ver entre sí de lo que parece a primera vista.

Voy a dar puntuaciones que ya toca:

The Patsy 9

Una de las grandes obras de Jerry Lewis. Tiene un sentido metacinematográfico constante que llama la atención y que le otorga la vertiente de, en ocasiones y sin estropear la fluidez, de reflexión sobre varias cosas que vemos. Sumado a eso, el ya clásico detallismo al movimiento corporal y gestual; a los colores, los movimientos de cámara, la reflexión sobre la comedia (y el espectáculo) que existe en ésta y otras obras de Jerry, la dignidad con la que la cámara enfrenta a personajes tan diversos, opuestos y, a veces, molestos. Una obra que haría buena combinación con The Band Wagon y que con The Ladies Man y Smorgasbord compone un interesante recorrido entre las obras de Jerry Lewis.

Para los que vayan con el prejuicio, si es que puede haber alguno, de El Profesor Chiflado, que es su más famosa, olvidadlo ya mismo, porque, aunque me gusta mucho, es cierto que es de las obras más "light" de Jerry Lewis y que ésta y las demás que he nombrado consiguen definir mucho más sus búsquedas e intereses.

Othon 10

La gran película de Huillet-Straub. Quien vaya con la esperanza de conseguir todo el panorama de la obra cuando acabe, va perdido. Lo mejor, como ya se ha dicho mil veces y no intentaré hacer mías tales palabras, es dejarse llevar por los ritmos, lo físico, la música que disponen pieza a pieza estos magníficos cineastas. La fluidez de los movimientos de cámara hacen que a uno se le ponga la piel de gallina y descubra sensaciones inesperadas. Me descubrió cosas antes desconocidas, como la importancia que puede tener el acento de un actor, la cadencia de las palabras o el uso orgánico de los escenarios. Es como si se tratase de la gran obra universal, donde convergen todas las historias y todas las emociones. Es una película difícil de explicar, así vedla ya y calladme ya.

No, o la vanagloria de mandar 10

Para mi, la mejor película de Manoel de Oliveira, al menos de lo que he podido ver. La belleza y la historia son dos temas extremadamente inabarcables y creo que aquí Oliveira roza una posible explicación directa y concisa de ambas, su relación, su contradicción y su batalla. Todos los que tengan prejuicios con Oliveira por su pesadumbrez, aquí tendrán su salvación, pues va saltando de historia en historia y mantiene un ritmo interesante.

Salomé 7,5

Me llamó más la atención lo que mucha gente dijo de ella, el concepto que busca, las sensaciones que transmite en momentos muy concreto que la obra completa en sí. Cuando pasa eso, es un debate interno jodido. La sensación onírica, la unión de canciones con un montaje complejo, de diversas capas, son algunas de sus virtudes pero, como ya he dicho, ninguna acaba de congeniar conmigo por alguna razón.

Desconectado Nureyev

Re:II Festival Marginal: Sección Oficial
« Respuesta #28 en: Domingo 11 de Noviembre de 2018, 15:54:17 »
Dos vistas por primera vez


El tesoro de Arne (Mauritz Stiller, 1919)

La escena inicial, que utiliza varios movimientos de cámara y el montaje de planos y contraplanos desde adentro y desde afuera de la celda para componer una noción de los obstáculos y del espacio que necesitan recorrer los personajes para conseguir fugarse, ya indica que se trata de una película sofisticada.
La belleza de los filtros y de la composición sirven para construir una historia de tono trágico, cargada por el fatalismo teológico carcaterístico del protestantismo -pues en esencia los seres humanos nacen culpables ante los ojos de dios- y por la presencia imponente de la naturaleza, madre y límite de toda posible libertad humana.
Nota: 7,5


El ejército desnudo del emperador sigue marchando (Kazuo Hara, 1987)

Mientras la miraba yo también recordé Bajo la bandera del sol naciente. En la película de Fukasaku una viuda se daba a la tarea de buscar testimonios para reconstruir la verdad acerca de la muerte de su marido, un soldado japonés juzgado y condenado a muerte hacia el final de la guerra. La película se compone de flashbacks en blanco y negro,  de inserciones de archivos fotográficos y otros recursos visuales además del registro de las declaraciones de los testigos. El punto más interesante del film de Fukasaku es que la mujer se va encontrando con relatos contradictorios que no cuadran bien, cada quien relata una verdad personal, incompatible con el conjunto. A medida que avanza en su investigación todos los retazos van conformando una visión compleja, desmitificadora que socava profundamente el relato oficial y mina toda posibilidad de asirse a un fundamento moral seguro, incuestionable.
El documental de Kazuo Hara también transita por la senda de la búsqueda de respuestas verdaderas respecto de un pasado tortuoso y pretendidamente sepultado. Aquí el director usa un estilo de registro directo, seco, despojado, que se complementa con los modos destemplados y violentos de Okuzaki, quien a diferencia de la viuda sí conoce la verdad y necesita que sus entrevistados la digan, la enuncien para todo el mundo.
En esos encuentros bruscos, duros, agresivos, impiadosos, que tiene Okusaki con los oficiales superiores -culpables todos- se produce lo más interesante que es la resistencia tozuda que le oponen, capaces de pproseguir con las mentiras, las dilaciones, las justificaciones, etc. hasta el final. Acaso acceden a reconocer los crímenes o que las motivaciones de la pesquisa que lleva adelante Okuzaki es honorable pero siempre eluden a responsabilidad pues todos sus actos habían respondido a órdenes superiores. Hay dos tácticas: se afirma la culpabilidad de los supuestos desertores o, si se reconoce la inocencia de los fusilados, entonces se remite la responsabilidad hacia un superior.
En el fondo la película se adentra en los problemas relacionados con las culpas y las memorias colectivas de los pueblos que han atravesado grandes tragedias humanas.
Sobre el final un entrevistado, sobreviviente que practicó canibalismo y que asesinó a un soldado con ese fin, dice que como cualquier persona él tiene derecho a vivir en paz, que no quiere recordar. En ese instante aparece clara la tensión entre una memoria que sólo se considera a sí misma individual y la necesidad de un otro de que se reconozca como parte oblligada a recordar y decir la verdad, porque está comprometida con otros, porque es responsable siempre por un otro.

Nota: 7,25
"A parte isso, tenho em mim todos os sonhos do mundo"


       

Desconectado abu

Re:II Festival Marginal: Sección Oficial
« Respuesta #29 en: Domingo 11 de Noviembre de 2018, 20:09:54 »
Con cierto retraso vengo a presentaros las películas que he presentado para este reto. Se trata de dos películas que en su momento me sorprendieron para bien y que me gustaron más de lo que me esperaba, espero que a vosotros os pase lo mismo.

•   Atentát (Jirí Sequens, Checoslovaquia, 1965)

Esta película fue la que me hizo abrir el hilo ¿Cómo es posible que esta película no la haya visto nadie? https://www.filmmania.es/index.php?topic=1434.0 y desde entonces la tenía pendiente de comentar, así que he aprovechado para colarla por aquí. Atentát se inscribe totalmente en el movimiento de la Nueva Ola Checoslovaca, movimiento que se caracteriza por la heterogeneidad de los temas tratados y por la manera atrevida e innovadora de presentarlos. En este caso nos encontramos con un film de carácter realista, con una elegante puesta en escena en blanco y negro y un afán por mostrar los hechos narrados de la manera más precisa posible, convirtiéndose así en un documento de carácter histórico.

El argumento narra un hecho concreto de la IIGM, el atentado que la resistencia realizó contra el general de las SS Reinhard Heydrich, máximo representante del Tercer Reich en el Protectorado de Bohemia y Moravia, desde los momentos previos de su preparación, pasando por la realización y terminando con las dramáticas consecuencias que representó tanto para el comando que lo llevo a cabo como para la población civil.

Jirí Sequens no escatimó en esfuerzos para conseguir que su película fuera lo más verídica posible, llegando a reconstruir con todo lujo de detalles la iglesia ortodoxa de San Cirilo y Metodio en Praga (lugar en donde se refugian los miembros de la resistencia) para evitar dañarla; asimismo, se utilizó para el rodaje la villa real donde se alojaba Heydrick. El hecho de no querer alterar la realidad histórica de los hechos dando protagonismo a los comunistas en el atentado generó retrasos e inconvenientes para poder terminar la película, cuyo rodaje se prolongó durante cuatro años.

Aunque un tema de esta transcendencia ha sido llevado al cine en varias ocasiones, la más significativa la de Fritz Lang, con guión de Bertold Brech, (Los verdugos también mueren, EEUU, 1943) y la más actual Operación Anthopoid (Sean Ellis, Reino Unido, 2016), se considera que la versión de Sequens es la que más se acerca a los hechos acontecidos. Me hubiera gustado hacer este comentario después de haber podido visionar estas dos obras también para hablar con más conocimiento de causa, pero ha sido imposible, así que los factores que más puedo remarcar como positivos de la película son la puesta en escena, la ritmo que no decae en ningún momento y la dureza y el realismo con que se nos presenta la acción, siendo destacable en el conjunto del cine checoslovaco de la época por sus características diferenciales con respecto a otras obras del período. Para terminar esta ya larga presentación, os dejo un pequeño diálogo que da muestra de esa dureza que comentaba:

“- Tiene que firmar 17 sentencias de muerte.
- ¿Sólo 17?”

Mi puntuación: 7,75

•   Carbón (Camaraderia) (Georg Wilhelm Pabst, Alemania, 1931)

Últimamente hemos visto por aquí algunas de las películas más conocidas de Pabst, un director bastante olvidado al que voy conociendo poco a poco. La película que os dejo está en ese grupo y, personalmente, es la que más me ha gustado de las que llevo vistas. Se trata de una de las primeras obras de cine social de la historia, en la que se ponen de relieve valores como la fraternidad y la solidaridad.

En una mina en la frontera franco-alemana se produce un accidente y los mineros de ambos lados se unen para rescatar a los obreros que han quedado sepultados en la misma, por encima de las diferencias socio-políticas que les rodean puesto que nos encontramos en el período entre guerras.

Pabst transfiere el conflicto de la Gran Guerra a los lúgubres túneles de una mina en los que las explosiones y el fuego amenazan a los mineros como en las trincheras amenazaban a los soldados, haciendo que el conflicto bélico se traslade a un lugar totalmente diferente en el que la frontera subterránea pone todavía más de manifiesto el deseo de mostrar otra vertiente del ser humano en la que la fraternidad está por encima de las rivalidades entre las naciones, convirtiéndose así en un alegato antibelicista. Aunque, desgraciadamente, la película no fue bien acogida en ninguno de los dos países.

En el aspecto técnico resalta la puesta en escena, la película se rodó en un estudio donde se representaron los diferentes túneles de las minas, consiguiendo un efecto extremadamente realista.

Quizá vista actualmente nos pueda parecer que peca de una cierta ingenuidad, pero creo que a la mayoría nos gustan las películas que muestran en su contenido un mensaje esperanzador y que nos hacen continuar creyendo en los valores del ser humano, si te encuentras en este caso, te animo que la veas, no te decepcionará.

Mi puntuación: 8,50